Второстепенные повествователи обложек фотокниг

Обложка фотокниги представляет собой уникальный коммуникационный парадокс: она должна передать идею целого визуального повествования, используя лишь одну фотографию и минимальный набор типографических элементов. Если основное внимание, безусловно, привлекает сама фотография, то вопрос состоит в том, как столь ограниченный репертуар может углублять ее смысл. Главная идея исследования заключается в том, что это ограничение делает каждый второстепенный элемент — типографику, композицию, цвет, текстуру и материальность — критически важным "второстепенным повествователем". Типографика, даже в минимальном формате, может существовать в гармонии со снимком, направляя глаза зрителя, а графическая рамка или текстура может создать необходимое ощущение. Эти элементы не просто называют книгу, а направляют восприятие, создавая эмоциональный фон и углубляя ее смысл.

Цель исследования — доказать, что высококлассный дизайн обложки фотокниги неотделим от её художественной идеи и функционирует как графический мета-комментарий к основному содержанию.

Чтобы достигнуть этой цели мы разделим наш анализ следующие части:

• Проведем детальный анализ того, как типографика (выбор гарнитуры, размер, расположение) и композиционные решения (поля, выравнивание, взаимодействие с негативным пространством) формируют первичный нарратив книги.

• Сформулируем ключевые принципы, которые издательства используют для обеспечения гармонии между снимком и текстом, а также для создания эмоционального резонанса у потенциального читателя, сосредоточившись на материальной стороне.

В качестве издательств я выберу Aperture и Mack.

Aperture, как старое, всеизвестное американское издательство, на котором выходили все самые крупные фотографы, Aperture тяготеет к классическому, музейному дизайну, где второстепенные элементы служат подтверждению авторитета и вечности. (за исключением более современных изданий и где это уместно)

Сравним его с более молодым издательством Mack, чьи обложки часто экспериментальны. Mack использует дизайн как инструмент провокации и концептуального вмешательства, где материальность и отсутствие фотографии могут быть более мощными повествователями, чем сам снимок.

Этот контраст позволит нам выявить, как разные издательские стратегии используют один и тот же арсенал второстепенных элементов (типографика, материал, композиция) для достижения диаметрально противоположных коммуникационных целей: утверждения канона против расширения границ фотокниги.

Aperture — это не просто издательство, а фонд и журнал, что глубоко укореняет его в истории американской фотографии (основано в 1952 году Анселем Адамсом и др.) и определяет его как академический и образовательный институт. Его миссия — продвижение фотографии как высокого искусства. Вследствие этого, его дизайн обложек тяготеет к классической, музейной эстетике.

В 1935 году фотограф Уокер Эванс по заказу Музея современного искусства (МоМА) Нью-Йорка создал сотни снимков африканских скульптур для выставки «African Negro Art». Эти снимки стали архивным каноном для западного восприятия африканского искусства, но были сделаны в рамках колониальной/музейной оптики.

Спустя почти 90 лет Дэвид Алехуогие использует эти оригинальные изображения Эванса как исходный материал. Он ремикширует их, накладывая факсимиле снимков Эванса на созданные им самим картонные или бумажные структуры, а затем перефотографирует полученные коллажи на фоне западно- и восточноафриканского текстиля.

«A Reprise» использует музыкальный принцип повторения с вариациями (реприза), чтобы критически переосмыслить и перезахватить визуальное наследие, зафиксированное западным взглядом.

Обложка использует классический принцип двуслойности и передает этим основную идею переосмысления архивного материала.

На фоне обложка изначальной книги Эванса отсылает на исторический контекст. Вторым, уже современным слоем жёлтый крупный шрифт и современное цветное изображение без рамки (в отличие от чб оригинала с рамкой) - Представляет новый авторский голос. Его наложение на старую обложку является актом визуальной агрессии и вмешательства, заявляя о перехвате нарратива.

Nicaragua — это экстраординарный нарратив нации в смятении, который отслеживает эволюцию народного сопротивления. Майзелас, как представитель "concerned photography" (социально-вовлечённой фотографии), выходит за рамки простого документирования.

Изображения прослеживают события от упадка режима Сомосы до триумфа Сандинистской революции. Включает в себя интервью с участниками, письма, стихи и статистику, придавая истории многоголосность.

Заголовок использует сверхжирный, широкий, блочный шрифт, напоминающий ранние брутальные газетные заголовки или трафаретные шрифты).

Этот шрифт не элегантный; он кричит, он неотесанный и прямой. Он передает ощущение улицы, срочности и прямого действия.

Сам белый текст создает рамку изображению и в сумме с пропорциями черного фона лично мне чем-то напоминает границы фото-пленки.

«Bettina» — это первая монография, посвящённая Беттине Гроссман, ранее не признанной художнице-эксцентрику, чей обширный и междисциплинарный архив (включающий фотографию, скульптуру, геометрию и абстракцию) оставался скрытым в её студии в отеле «Челси». Книга выполняет роль археологического проекта, представляя публике её ранее не виденное наследие и подчёркивая её ключевые принципы — серийность, абстракцию и трансформацию повседневных форм.

Дизайн обложки минималистичен, строг и архитектурен, прямо отражая ключевые интересы художницы: геометрию и абстракцию. Он использует классическую модульную сетку с двумя чёткими зонами, что придает ему музейный, каталогизирующий характер.

Изображение, занимающее верхнюю треть обложки, представляет собой абстрактную форму — чёрный, идеально гладкий, геометрический объект Изображение изолировано в своей зоне, словно ценный экспонат в витрине.

Типографика использует крупный, жирный, но нейтральный шрифт гротеск, что-то вроде гельветики. Этот шрифт прямой и монументальный; он не добавляет эмоционального шума, а заявляет о существовании и весомости ранее неизвестного имени. Его лаконичная, чистая форма полностью соответствует строгости и серийности работ художницы. Кроме того сам шрифт как бы перекликается с ее работой такой же монотонный и похожей толщины.

Композиция обложки основана на большом объеме пустого пространства. Фон, напоминающий неотбеленный картон или архивную папку передает идею «распаковки» непубликовавшегося архива.

«Alone Street» объединяет две крупные серии Грегори Крюдсона («Cathedral of the Pines» и «An Eclipse of Moths»), которые являются частью его навязчивого исследования психогеографии маленьких, постиндустриальных городов Новой Англии. Фотографии Крюдсона — это тщательно срежиссированные табло (постановочные сцены), пропитанные тихой меланхолией и ощущением того, что «всё, что когда-либо происходило в этих местах, кажется, кристаллизовалось в этих картинах». Книга подчёркивает точность и глубину его уникального метода фотографического повествования, которое раскрывает «неуправляемое горе и другие малоизвестные чувства» места.

Дизайн обложки использует историческую типографику (антиква) и богатую текстуру, чтобы создать ощущение «литературной, кинематографической меланхолии», которое является визитной карточкой Крюдсона. Мне особенно нравится противопоставление "мокрой фотографии" и шероховатой поверхости. В данном случае фотография скорее стоит в рамке с подписью, чем взаимодействует с дизайном.

«The Garden at Orgeval» представляет собой позднюю серию работ Пола Стрэнда (одного из величайших фотографов XX века), созданную в конце его жизни во Франции. После долгих лет путешествий Стрэнд сосредоточился на каменной красоте своего собственного сада в Оржавале. Книга демонстрирует его характерное прямое и точное видение через пристальное изучение форм и узоров природы (ветки, цветы, сплетения). Основная идея работы — созерцание природы как отражение увеличения озабоченности Стрэнда смертностью и хрупкостью существования в процессе старения. Важно, что фотографии выбраны и прокомментированы Джоэлом Мейеровицем.

Очевидна что эта фотокнига оформлена в более классическом книжном стиле, что на фоне черно-белой фотографии создает некое меланхолическое ощущение. Будто бы сейчас ты начнешь читать какую-то драму, что отлично передает идеи автора и готовит к погружению в его видение сада.

О книжном оформлении нам говорит шрифт-антиква и четкая рамка с названием и именем автора, а также сам А5 формат фотокниги и ее материал обложки.

«Wall» — это серия панорамных пейзажных фотографий, сделанных Йозефом Коуделкой в 2008–2012 годах вдоль маршрута Израильско-Палестинского разделительного барьера. Проект Коуделки метафоричен: он сосредоточен на Стене (Wall) как на человеческой трещине (fissure) в природном ландшафте, а не как на политическом ярлыке («забор безопасности» или «стена апартеида»). Книга передаёт напряженные отношения между человеком и природой и между близко связанными культурами. Это чистое, визуальное исследование последствий человеческого вмешательства в ландшафт.

Дизайн обложки, разработанный Ксавье Барралем в тесном сотрудничестве с Коуделкой, является предельно минималистичным, агрессивным и концептуальным. Он отказывается от фотографии на передней стороне, чтобы сделать максимальное заявление о самом объекте книги — Стене. Классическая привлекающая внимание идея типографики которая прекрасно олицетворяет объект фотографий.

Хотел бы еще заметить что сам формат книги и фотографий напоминает стену, что сделано не случайно.