Маурицио Каттелан. «Комедиант». 2019
Концепция
Вопрос «что есть искусство, а что нет?» обостряется в XX веке, когда реди–мейд и концептуализм набирают популярность и становятся неотъемлемой частью искусства. Этому предшествуют изобретение фотографии, которая копирует реальность с точностью, недоступной художнику, и кризис после Первой мировой войны в обществе, которое утрачивает веру в авторитеты и в прогресс. Традиционный критерий — мастерство — перестает быть обязательным, из-за чего границы художественного размываются, и становится неясно, достаточно ли для признания объекта искусством акта номинации, или все же необходимы механические качества, сложность в исполнении и мастерство.
Визуальное исследование посвящено выявлению эволюции критериев искусство–определения в XX–XXI веках
Актуальность
Современные художники и выставки все чаще отклоняются от традиционных правил в искусстве и демонстрируют инсталляции с акцентом на концепцию и интерпретацию, а не на сложность и мастерство в выполнении. Произведением искусства теперь может стать любой переосмысленный художником и институционально признанный предмет.
Гипотеза
Ни мастерство, ни идея по–отдельности не являются достаточным условием для признания объекта искусством. Решающим фактором становится их объединение в совокупности с пониманием особенностей времени и колорита зрителей, выступающих критиками в определении предмета искусством.
Привычная модель мастерства в искусстве
До 1917 года мастерство считается основным критерием определения искусства. Для признания автор должен уверенно владеть кистью и материалом, обладать академическими художественными знаниями. Даже с появлением в начале XX века таких специфичных направлений, как фовизм, экспрессионизм и кубизм творцы учатся академическим основам и художественному мастерству, и создание предметов искусства требует огромной отдачи и множества усилий.
Произведение искусства — артефакт, требующий специальной подготовки от автора
1. Анри Матисс. «Зеленая полоса». 1905 2. Анри Матисс. «Портрет женщины с цветами в волосах». 1906
Василий Кандинский. «Композиция VII». 1913
1. Пабло Пикассо. «Поэт». 1912 2. Пабло Пикассо. «Сидящая обнаженная». 1910
Радикальный разрыв в искусстве
С изобретением фотографии в 1839 году искусство кардинально меняет свою форму. Теперь искусство — не копирование реальности, а ее интерпретация. Именно из-за этих изменений в художественном мире становится возможным появление абстракции, реди–мейда и концептуализма.
Марсель Дюшан. «Фонтан». 1917
Объект — перевернутый промышленный писсуар с подписью: «R. Mutt». Произведение минимизирует традиционное ремесленное участие художника. Хотя работа была отвергнута музеями, позднее она становится символом радикального пересмотра границ художественного: искусством может стать любая переосмысленная вещь. Такой жест Марселя Дюшана служит интеллектуальной провокацией, заставляющей зрителя задуматься о том, что именно делает объект произведением искусства.
Отказ от привычных материалов и переосмысление роли художника
Дюшан показал, что искусством может стать любой переосмысленный предмет. Художники не стоят на месте: они приходят к выводу, что, если объект не важен, то главную роль играет история и жест автора по отношению к предмету.
В 1950—1960 года результат становится вторичным по отношению к процессу.
Ценность произведения искусства теперь определяется не умением владеть кистью и материалом, а смелостью жеста.
Одним из художников, переосмысляющих роль художника и определение искусства, становится Роберт Раушенберг. Его работы размывают границы между искусством и повседневностью, бросая вызов традиции.
Роберт Раушенберг. «Отпечаток автомобильных шин». 1953
Роберт Раушенберг. «Стертый рисунок де Кунинга». 1953
Раушенберг стирает рисунок художника, оставив почти чистый лист с остаточными следами. Причиной признания данного жеста искусством становится вложенный в него смысл: переосмысление роли художника. Он создает новое произведение через разрушение старого, бросая вызов традициям.
Роберт Раушенберг. «Белая картина». 1951
Оставляя полотно пустым, Раушенберг отрицает саму идею живописи. Художник не оставляет собственного почерка, минимизирует традиционный сюжет и авторскую экспрессию, тем самым показывая, что искусство может существовать без драмы и отражать не только внутренний мир художника, но и происходящее вокруг полотна. Близкий друг автора Джон Кейдж интерпретировал серию белых картин как «посадочные полосы для мотыльков, пыли и теней».
Несмотря на минимальное художественное мастерство, работы Раушенберга хранятся в музеях по всему миру.
Сабуро Мураками. «Пассаж». 1956
Мураками является представителем ассоциации художников в послевоенной Японии «Гутай», преследующей отказ от привычных материалов и использование тела как инструмента.
Во время одного из перфомансов Мураками прорывает своим телом пять экранов, сделанных из традиционного японского материала «фусума». Этим жестом автор уничтожает символ старой, иерархичной Японии. Сабуро буквально разрушает традиции, отказывается от мастерства и заявляет, что искусство должно отрицать старое, чтобы прийти к новому этапу.
