XIX век, считается одним из самых интересных периодов в мировой истории для изучения. Это время оставило бесценные следы в мире искусства, вдохновив поколения художников, литераторов и музыкантов на протяжении многих десятилетий. Этот век, известный как «век романтизма», был эпохой грандиозных исторических событий, интеллектуальных революций и культурных перемен. Одно за другим появлялись различные художественные течения, самые крупные из которых рассмотрим сегодня.
Романтизм
Романтизм возник в начале XIX века и стал доминирующим направлением в искусстве. Художники и писатели постепенно начали отображать героическо-романтические идеалы из романов того периода. Искусство стало наполняться эмоциями и жизнью. Художники передавали свое восприятие окружающего мира. Они предпочитали исследовать темы, связанные с природой, мистикой, национальными историями и идеалами. Это был своего рода протест сдержанным стилям, закрепленным классическим традициям и предписанным «канонам», которые преобладали в художественных академиях XVI–XIX века. Любимыми мотивами художников были стихии, пейзажи, загадочные фигуры, намекающие на скрытый смысл картин, или на чувства, которые они испытывали лично. В них так же подчеркивалась свобода личности — как в плане самовыражения, так и в плане исследования. В романтизме идеализированное изображение человеческого тела уже не ставили на первое место. Его изображали как творческую и противоречивую личность, со своими страданиями, любовью и ненавистью.
Романтизм в зарубежных странах
Одним из первых художников, работавших в стиле романтизма, был Франсиско Гойя, известный своими произведениями «Ведьмы», «Сатурн, пожирающий своего сына» и «Тонущая собака». Гойя известен высоким уровнем воображения в своем искусстве и смелым использованием красок. Именно он стал примером романтических ценностей выражения чувств художника и его личного творческого мира. Его искусство воплощает акцент романтизма на субъективности, воображении и эмоциях.
Сатурн, пожирающий своего сына
«Сатурн, пожирающий своего сына» — один из самых жутких и запоминающихся образов в истории мирового искусства. Следует признать, что в умении извлекать из глубин подсознания самые страшные кошмары и с пугающей силой переносить их на холст с Гойей не мог сравниться никто.
Третье Мая 1808 Года
«Третье Мая 1808 Года», также известная как «Третье Мая 1808 Года в Мадриде», представляет собой буквально задыхающуюся картину, работу над которой Гойя закончил вскоре после завершения войны на полуострове. Художник попытался увековечить испанское сопротивление вторгшимся силам французского императора — Наполеона Бонапарта. Графическое содержание полотна было в новизну, так как на нём изображались зверства войны, как они есть на самом деле, а не прославленная и идиллическая версия событий. Именно поэтому она и считается самой первой антивоенной картиной в истории человечества. Она оказала большое влияние на других художников.
Однако наиболее ярким представителем романтизма стал английский художник Уильям Тернер, чьи работы «Дождь, пар и скорость», «Свет и цвет» и «Парки» стали символом этого направления. Он отобразил тягу к наблюдениям за природой, как к одному из процессов творчества. В его картинах настроение создается не только с помощью изображения, но и того, как он передал перспективу к цвету.
Дождь, пар и скорость
Наиболее известной его картиной позднего периода является «Дождь, пар и скорость» 1844 года. На холсте изображён паровоз, который мчится под утренним ливнем над Темзой по мосту Мейденхед. Но его очертания нечётки. Локомотив мешают рассмотреть облака пара, которые ещё не успели рассеяться. Основная задача Тёрнера — передать ощущение скорости суровой машины. Он хотел, чтобы картина зафиксировала мгновенье несущегося локомотива. Кажется, что паровоз как будто бы сейчас вырвется наружу и покинет полотно.
Свет и Цвет
Картина «Свет и Цвет», созданная в последние годы карьеры Тернера, изображает последствия истории о Великом потопе, рассказанной в Книге Бытия. Роль человека изображается пассивной из-за его неспособности контролировать природу, которая прекрасна на вид, но обладает способностью разрушать и воссоздавать жизнь.
На протяжении всей истории человечества было много известных художников, которые внесли большой вклад в развитие этого нового направления, в том числе Каспар Давид Фридрих (1774–1840), Дж. М. Тернер (1775–1851), Эжен Делакруа (1798–1863), Джон Констебл (1776–1837), Томас Коул (1801–1848). Эти художники сегодня считаются одними из самых известных представителей нового стиля, а их работы, созданные много веков назад, оказывают огромное влияние как в художественном, так и в культурном плане на последующие поколения.
Каспар Давид Фридрих Восход луны над морем.
Эжен Делакруа Свобода, ведущая народ.
Романтизм в России
Начало 19 века называют золотым веком русской живописи. Именно тогда русские художники достигли того уровня мастерства, который поставил их произведения в один ряд с лучшими образцами европейского искусства. В России романтизм проявляется больше в портретной живописи. Значительное место на полотнах занимают поэты, художники и простые крестьяне. Романтизм проявился в портретной живописи О. А. Кипренского (1782-1836). С 1812 г. художником были созданы графические портреты участников Отечественной войны, которые были его друзьями. Одним из лучших творений О. А. Кипренского считается портрет А. С. Пушкина, увидев который великий поэт написал: «Себя как в зеркале я вижу, но это зеркало мне льстит».
Портрет А. С. Пушкина
Объединение бытового жанра и романтизма в русской живописи 19 века наглядно заметно в картинах Венецианова. Основой сюжетов художника стали крестьяне, при этом во всех изображениях можно отметить склонность к приукрашиванию, идеализации, сентиментальности. Он отлично показывал человеческие достоинства, благородство обычных людей, изображая их за работой и не подразделяя с учетом социального положения.
«На пашне Весна», первая половина 1820-х.
«Спящий пастушок», между 1823 и 1826.
Отличия Зарубежного романтизма от Русского
Романтизм, как метод и направление в художественной культуре был явлением сложным и противоречивым. В каждой стране он имел яркое национальное выражение. Если европейские авторы затрагивали антибуржуазные темы, то русские мастера писали на тему антифеодализма. Тяга к мистике была выражена значительно слабее, чем у западных представителей. Отечественные деятели по-иному представляли себе, что такое романтизм, что в их творчестве прослеживается в виде частичного рационализма. В Европе романтизм стал первым течением, в рамках которого художники начали экспериментировать с техникой письма (например, писать более длинными, свободными мазками) и отходить от академического канона. В России академизм только сформировался, и русские живописцы не предпринимали попыток выйти за его границы. Романтизм проявляется преимущественно в сюжетах и более ярком, сочном колорите.
Реализм
Реализм появился в 19 веке как реакция на романтизм и академизм. Художники стремились к более точному изображению реальности. Это направление появилось во Франции, а затем распространилось по всей Европе. Реализм описывал настоящий момент и окружение таким, какое оно есть. Художники были материалистами, и прежде всего подходили к своим работам в духе объективного наблюдения. Художники-реалисты часто останавливаются на сценах сельской жизни, уделяя внимание таким обыденным деталям, как борозды на полях или травинки, которые придают их работам дополнительную реалистичность; они стремятся к большей эмоциональности, чем традиционные пейзажисты, которые искали красоту в идеализированной обстановке, мало похожей на реальность. Реалисты вводят такие элементы, как погодные эффекты, например, туман или дождь, которые редко встречаются в традиционных пейзажах, а также диких животных, которые представляют необработанную природу, а не одомашненные предметы, которые предпочитали ранние мастера.
Реализм в зарубежных странах
Одним из первых и самых успешных представителей реализма был Гюстав Курбе, который в своих работах пытался передать обыденную жизнь и социальные проблемы. Он полностью отказался от драматических эффектов и эмоций романтического стиля предыдущих поколений.
«Автопортрет с черной собакой»
Картина «Автопортрет с черной собакой» была первой картиной художника и имела огромный успех. А всего через два года «Автопортрет с чёрной собакой» открыл для Курбе двери парижского Салона.
Картина «Порыв ветра» — самый большой по размеру пейзаж Гюстава Курбе.
Гюстав Курбе Порыв ветра. 1865
Борьба света и тени на картине передана при помощи резких, напряженных линий облаков и ветвей деревьев. Надвигается гроза, на голубое небо наползают черные тучи, ветер срывает с веток листья. Первый план залит солнцем, дальний же постепенно погружается во мрак. Интересно, что камни и пучки травы на первом плане писались не кистью, а прямо пальцами или мастихином.
Еще одним из самых известных художников-реалистов был американский художник Уинслоу Хомер. Он известен благодаря своей выдающейся работе пейзажиста и гравёра. Его специальностью были картины на морскую тематику.
«Щелчок Кнутом»
«Щелчок Кнутом» — это картина Уинслоу Хомера, написанная им в самом начале 1870-х годов.
«Предупреждение о Тумане»
«Предупреждение о Тумане» — это одна из многих морских картин, созданных Уинслоу Хомером в ту пору, когда в 1880-х годах он проживал в американском штате Мэн. Эта работа представляет собой реалистическое изображение тяжёлой жизни местных рыбаков того времени.
Отвергая чрезмерный акцент на эмоциональности, что так присущ романтизму, и восторженное прославление прошлого, реалисты Роза Бонёр, Томас Икинс, Жан-Франсуа Милле, Эндрю Уайет стали рисовать не только простых людей, но и различные моменты с невероятно достоверной точностью. И несмотря на то, что большинство ныне известных реалистичных картин частенько подвергались критике, вызывая споры в связи с тем, что они якобы показывали такие ситуации, которые многие художники старались избегать в своих работах, считая их неуместными, тем не менее, многие сумели покорить мир, прочно засев в истории мира искусства.
Ярмарка лошадей (1853 год) — Роза Бонёр.
Клиника Гросса (1875 год) — Томас Икинс.
Анжелюс (1859 год) — Жан-Франсуа Милле.
Мир Кристины (1948 год) — Эндрю Уайет.
Реализм в России
Вторая половина 19 века ознаменовалась расцветом русского изобразительного искусства. Оно стало подлинно великим искусством, было проникнуто пафосом освободительной борьбы народа, откликалось на запросы жизни и активно вторгалось в жизнь. В изобразительном искусстве окончательно утвердился реализм — правдивое и всестороннее отражение жизни народа, стремление перестроить эту жизнь на началах равенства и справедливости. Центральной темой искусства стал народ, не только угнетенный и страдающий, но и народ — творец истории, народ-борец, созидатель всего лучшего, что есть в жизни.
С начала века в русской живописи становится популярным бытовой сюжет. Одним из первых к нему обратился А. Г. Венецианов (1780-1847), чьи картины из быта крестьян отмечены печатью сентиментализма («На пашне. Весна», «На жатве. Лето»).
«На пашне. Весна»
На картине Венецианова женщина в праздничном наряде с легкостью справляется с запряженными в бороны лошадьми. Дело в том, что у крестьян первую пахоту приравнивали к празднику. Еще во времена языческих верований, чтобы задобрить богов плодородия, в деревнях устраивались гулянья. Венецианов в этой картине не столько погрузился в этнографию и крестьянский быт, как запечатлел проявление вечного бытия. В образе крестьянки, которая гораздо выше лошадей, художник показал прекрасную, легкую, молодую весну, ступающую по земле, обновляющую природу, успокаивающую детей.
«На жатве. Лето»
Женщина наслаждается покоем и отдыхом. Она смотрит вперед на колосящуюся рожь, на плывущие мимо облака, и получает наслаждение от общения с ребенком. Картина написана в теплых тонах и настолько притягательно, что хочется погрузиться в эту земную красоту, и наслаждаться запахом свежескошенной ржи. Художник искусно использует цветовую палитру. На фоне золотистой ржи, небесной глади, дышащей зноем, блеклой зелени травы, отчетливо выделяется красный яркий сарафан жницы, как утверждение величия человека над природой. Трудолюбивые руки соберут урожай, жатва закончится и наступит пора отдыха. На картине четко обозначена линия горизонта — граница земли и неба. Чистое небо сулит рай и умиротворение, а земная жизнь требует усилия и труда.
Знаменитый художник-реалист И. Е. Репин (1844-1930) с начала 1870-х гг. выступает как художник-демократ, борющийся против неотражающего жизнь академического искусства. И. Е. Репин обличал эксплуатацию народа, одновременно показывая зреющий в нем протест и скрытую силу («Бурлаки на Волге», «Отказ от исповеди»). Им были созданы портреты современников, а также ряд полотен на историческую тему («Иван Грозный и сын его Иван» и др.).
«Бурлаки на Волге»
Полотно «Бурлаки на Волге» стало визитной карточкой великого художника Ильи Репина. На выставке оно было удостоено бронзовой медали. С помощью поз, выражения лиц и действий крестьян Репину удалось передать характер каждого из своих героев. Поэтому картина «Бурлаки на Волге» получилась на редкость психологичной. И по сей день она приковывает внимание ценителей искусства, не оставляя никого равнодушным.
«Отказ от исповеди»
«Иван Грозный и сын его Иван»
Отличия Зарубежного реализма от Русского
В середине XIX века в европейском искусстве начал господствовать реализм. Русский реализм сильно отличает от реализма других национальных школ наличие и взаимоотношение отдельных этапов внутри него самого, а также длительность, активность, и взаимоотношение с соседними направлениями. В этом и заключается русское своеобразие. И первая своеобразная черта русской живописи — критичность, именно она сделала возможным именование русского реализма критическим. В России культура сосредоточила внимание на социальных и нравственных проблемах и просветительских задачах. Это и определило путь русского искусства.
Зарубежный реализм, например во Франции можно назвать «романтизм-реализм» Домье, очень типичный для Франции. В отличие от России, во Франции один художник — Курбе — мог совмещать в своем творчестве разные этапы. «Таким образом, французская живопись реалистического периода вся сплошь проникнута романтическими реминисценциями и неотделима от романтического наследия, которое продолжает жить и во многом определять характер искусства.
Символизм
Символизм возник во Франции в 1870—1880-х годах и достиг наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, а также в Германии, Бельгии и России. На всей территории Европы символизм доминировал практически во всех областях.
Стиль имеет прочные связи с романтизмом. Символизм в живописи был в значительной степени реакцией против натурализма и реализма, тесно связан с мифологической тематикой в живописи всех жанров.
Своей главной целью символисты считали выражение абсолютных истин и отображение реальной жизни посредством использования метафорических образов и аллегорий, имеющих символическое значение. Основными характерными чертами данного стиля можно назвать: новаторские стремления к экспериментам, мистицизм, таинственность, недосказанность и завуалированность.
На лицах героев, изображенных на полотнах символистов, практически никогда не встречаются положительные эмоции, что обусловлено требованиями данного учения, донести до людей мысль о несовершенстве окружающего их мира.
Символизм в зарубежных странах
Одилон Редон был французским художником, считавшимся одним из ведущих живописцев художественного движения символистов. Он начинал свою карьеру, работая исключительно углём и занимаясь литографией, вплоть до 1890-х годов мастер не увлекался пастелью и масляной живописью.
«Циклоп»
«Циклоп» — это картина Одилона Редона, на которой изображается мифический циклоп по имени Полифем. Согласно греческой мифологии, он был родным одноглазым сыном Посейдона и Фоосы. Если верить этой истории, однажды он влюбился в прекрасную наяду — Галатею.
Галатею можно увидеть спящей на холме, усыпанным цветами, а робкий и неуверенный в себе циклоп приближается к ней из-за каменистого пейзажа. Огромное существо, как кажется, боится близко подходить к обнажённой спящей девушке, что лишний раз подчёркивается ещё и тем фактом, что на его лице нарисована застенчивая ухмылка.
«Бабочки»
«Бабочки» — это картина Редона, созданная в последний период его жизни. В ту пору он выполнял свои работы исключительно маслом или пастелью, а также сумел переключиться с чёрно-белых произведений на разноцветные творения.
Зачастую его главным предметом были маленькие тонкие чудеса природы, такие как бабочки или же морские ракушки. Ему удавалось изобразить их так, что они буквально превращались в сказочные элементы. Вы всё правильно поняли, Редон считал, что художественное искусство может стать мостом между материальным и духовным мирами.
«Будда»
«Будда» — это название одной из самых крупных картин в творчестве Редона. На полотне изображается Будда, сидящий в своей типичной позе лотоса и медитирующий под деревом. Эта работа подчёркивает сильнейший интерес Одилона к восточной духовности, включая индуизм и буддизм.
Что ещё примечательно в этом произведении, так это то, что фигура Будды кажется почти что частью дерева, под которым он и восседает. Его лицо и одежда в данной замечательной композиции сияют лишь слегка. Цвета, использованные для заднего фона, делались таким образом, чтобы гармонировать с дизайном комнатного интерьера.
Гюстав Моро был ещё одним весьма известным французским живописцем, которого по праву называют одним из самых выдающихся художников-символистов конца XIX столетия. А всё это в основе своей потому, что он начал создавать загадочные картины ещё в 1860-х годах, вскоре после публикации первой поэзии символистов.
Моро также был одним из самых плодовитых мастеров XIX века. Его творчество состоит из 15 000 картин, рисунков и акварелей, что составляет просто ошеломляющую цифру. В его личной жизни преобладали тёмные чувства — представление, которое в конечном итоге привело к его затворническому поведению в последние годы жизни. Его работам посвящён Музей Гюстава Моро, который можно разыскать в Париже — столице Франции.
«Эдип и сфинкс»
Картина вызвала бурную реакцию, не оставила равнодушным никого из критиков. Это символико-аллегорическое произведение стало истинным творческим дебютом Моро. Существо с лицом и грудью женщины, крыльями птицы и туловищем льва — Сфинкс — вцепилось в торс Эдипа; оба персонажа пребывают в странном оцепенении, словно гипнотизируя друг друга взглядом. Четкий рисунок, скульптурная лепка форм говорят об академической выучке.
«Призрачный сон»
Гюстав Моро всегда писал то, что ему хотелось. Он сумел создать свой собственный фантастический мир, существующий вне времени.
Если рассматривать творчество Моро сквозь призму истории искусств, оно может показаться анахроничным и странным. Пристрастие художника к мифологическим сюжетам и его причудливая манера письма плохо сочетались с эпохой расцвета реализма и зарождения импрессионизма.
Заслуга Моро в том, что он сумел придать новое направление традиционной живописи, перебросить мост между прошлым и будущим.
Символизм в России
Новаторский стиль захватил все творческие сферы в России: музыку, литературу, живопись. Мастерам-символистам были чужды политика и социальные проблемы, они копнули глубже — с помощью метафорических образов постигали тайны мироздания, Бога и смысл человеческого существования.
Художники искали вдохновения в литературе и музыке, мифах и легендах, воплощая на полотнах то, что невозможно увидеть невооруженным глазом. Эпоха символизма в целом получила название Серебряный век.
Стремясь проникнуть в иную реальность — мечту, сон, сказку или легенду, символисты отводили себе роль теурга или могущественного мага, способного подчинить своей воле высшие силы. Они искренне верили, что искусство — божественная мистическая материя, которая поможет человечеству постичь непостижимое, например, душу.
Предвестником символизма в изобразительном искусстве стал Виктор Васнецов — его полотна со сказочными и былинными персонажами.
«Богатыри»
На этой культовой картине изображены три легендарных русских богатыря: Добрыня Никитич, Илья Муромец и Алеша Попович. Картина является символом силы, мужества и патриотизма и широко считается одной из самых известных работ Васнецова.
«Ковер-самолет»
На этой картине изображена сцена из популярной сказки «Сказка о золотом петушке». Картина демонстрирует исключительную способность Васнецова сочетать фантазию и реализм, создавая завораживающую и волшебную атмосферу.
«Крещение князя Владимира»
Эта картина изображает историческое крещение князя Владимира, поворотный момент в истории России.
Отличие Зарубежного символизма от Русского
В Европе главной чертой символизма служило декадентством и синтетизмом — это преобразование образов в угоду своим идеалистическим понятиям. Так же был возврат к идеалам прошлого, благодаря течению прерафаэлитов.
В России развитие символизма попало сложный период серебряного века, когда художники и поэты переключились с вопросов политических на вопросы философские. И основными идеями были — богоискательство.
Импрессионизм
Происхождением импрессионизм обязан кризису, наступившему в живописи середины XIX века. Несмотря на обилие стилей, изобразительному искусству не хватало свежих веяний и легкости, недоступной классицизму. Символисты пытались найти новые методы и приемы, позволяющие не только изобразить осязаемый мир, но и дать намек на существование чего-то невидимого за гранью восприятия. Но импрессионизм ушел еще дальше от классики, отступив как от техники изображения, так и от транслируемых идей. Основателями нового изобразительного жанра принято считать творческую компанию, сложившуюся вокруг Эдуарда Мане, в которой присутствовали Моне, Сезанн, Дега, Базиль, Ренуар, Писсарро, Моризо. Самые первые картины импрессионистов выставлялись в «Салоне Отверженных». Эта выставка была создана приказом Наполеона III для работ, которые не были приняты Парижским Салоном. Сперва они подвергались резкой критике, но постепенно получили общественное признание и доступ к главной галерее Парижа. Позже импрессионисты устраивали собственные выставки, всего их было проведено восемь. Идея проведения первой принадлежит Ренуару.
Импрессионизм во многом почерпнул свои идеи в Возрождении, но привнес новое, в частности, в видение перспективы. Художники пытались запечатлеть мимолетное ускользающее мгновение, изобразить то, что остается в памяти. В этом наблюдается отличие от романтического символизма, где главным объектом оставалась идея за пределами видимого.
Импрессионисты стремились продемонстрировать значимость субъективного восприятия. Взгляд каждого человека важен и заслуживает внимания, даже если он не вписывается в установленные классические каноны. Именно поэтому восприятие картин данного периода у зрителей тоже различное. Более того, художники создавали свои творения таким образом, чтобы с каждой точки обзора картина казалась другой.
Клода Моне нередко называют первым импрессионистом. Это связано с тем, что именно его картина дала название всему направлению. Хронологически это может быть не совсем верно, но неоспоримо, что Моне входил в число первых импрессионистов.
Написанный в 1866 г. Портрет Камиллы Донсье («Камилла, или портрет дамы в зелёном платье») принес художнику популярность. Через несколько лет Клод Моне женился на Камилле, с тех пор её часто можно встретить в работах мужа.
«Камилла, или портрет дамы в зелёном платье»
Вокзал Сен-Лазар
Казалось, что может быть общего между импрессио¬низмом и паровозами на вокзале? Оказывается, (Моне показал это чудесным образом), самые что ни на есть прозаические вещи могут заключать в себе удивительную поэзию. Следовательно, все зависит не от объекта изображения, а от субъекта, пишущего его, не от того, что выбирается для изображения, а от того, кто на это смотрит и как это воплощает. Нужно признать, что паровозы на этих картинах Моне выглядят не как монстры, а, можно сказать, грациозно, хотя всех в то время захватывало ощущение силы, мощи и скорости этих исполинских машин.
Серия стога сена
Стог сена, снег, утро
Стога в Живерни, заход солнца
Стога сена. Конец лета
Стога сена в Живерни
Моне очень любил изображать стога сена за своим домом, передавая едва уловимые волнообразные движения света и цвета. Моне подчеркивал: «Я пытался сделать невозможное — нарисовать сам свет». В период с 1890-1891 Моне создал серию из 15 полотен, изображающих стога сена в окрестности Живерни.
«Стог сена в Живерни» — одна из наиболее известных картин из серии, посвящённой стогам. Яркая колористика работы придаёт сюжету некую абстрактность и набросочность. Стог сена со смещённой вершиной выдвинут на передний план, но как бы ни пытался автор акцентировать внимание на этот элемент, взгляд зрителя неизменно устремляется на цветущее поле. Рука мастера не только выписала поле в ярких тонах, но и придала ему движение — цветы колышутся на ветру, создавая неровную рябь на поверхности.
Ещё один любопытный фрагмент — задний план, как будто поддёрнутой, дымкой на горизонте виднеются просторы с участками деревьев. Крыши уютных разномастных домиков довершают деревенскую пастораль.
На выставке Дюран-Рюэля серия картин Моне, посвящённая стогам, нашла заслуженное признание и была выкуплена за немалую цену.
Камиль Писсарро. В живописи Камиля Писсарро преобладают пейзажные сцены. Художника вдохновляет земля и воздух, он играет с интенсивностью света. Погружаясь в импрессионизм, живописец убирает нейтральные и серые тона из своих произведений, добавляя туда светлые оттенки и цветные детали. Камиля Писсарро многие художники могут назвать своим учителем. Является учителем он и для собственных детей, многие из которых также стали художниками.
Тропический пейзаж с сельскими домами и пальмами
На картине изображена сельская местность с парой домов. Это одна из его самых ранних работ и хороший пример того, как Писсарро начинает чувствовать себя художником. Сегодня картина находится в коллекции Национальной художественной галерее в Каракасе.
Холм Жалле, Понтуаз
Именно эта картина закрепила за Писсарро звание новатора в живописи сельских пейзажей. На переднем плане зрители видят изогнутую дорожку, по которой идут две женщины; за ними деревня, усеянная домами. Вдохновленный такими художниками, как Коро, Курбе и Милле, Писсарро начал выезжать из Парижа, чтобы запечатлеть на холсте красоту сельской местности. И хотя многие художники того времени выезжали на плэнеры, чаще всего, они заканчивали свою работу в студии; однако данная картина полностью написана Писсарро на месте. Картина выставлена в музее Метрополитен в Нью-Йорке.
Импрессионизм в России
Русский импрессионизм в живописи зарождался в XIX веке под влиянием французских художников-импрессионистов. Необычная техника исполнения и смещение акцента с демонстрации конкретных объектов или сюжетов на показ изменчивости мира привлекли многих именитых художников. Одни из них увлекались импрессионизмом лишь временно, в то время как другие посвятили этому жанру значительную долю своего творчества.
У истоков русского импрессионизма стоял Василий Поленов, который путешествовал по Парижу как раз в период первых выставок импрессионистов. Поленов новым стилем не заинтересовался, однако фактически подготовил почву для появления в России этого направления, так как начал активно искать новые колористические решения.
«Мельница у истока реки Вель»
Константин Коровин по праву считается ярким представителем русского импрессионизма, так как он не побоялся погрузиться в новое направление и подал пример целой плеяде других художников. Так, в его «Портрете хористки» мы видим не только широкие мазки, но и расслабленную позу девушки. Последнее говорит о том, что художник писал портрет стремительно, пытаясь передать сиюминутное ощущение, впечатление, а не часами филигранно вырисовывать все черты лица и детали. Быстро писать ему помогала любимая техника alla prima — рисование по-сырому, когда художник не ждал высыхания предыдущих слоев.
«Портрет хористки»
«Зимой»
Валентин Серов также использовал в своих работах характерные для импрессионизма приемы, что нашло отражение в таких известных работах, как «Девочка с персиками» и «Девушка, освещенная солнцем». Хотя картины не писались быстро и требовали долгого позирования, все же художнику удалось передать именно впечатление момента.
«Девушка, освещенная солнцем».
«Девочка с персиками»
Отличие Зарубежного импрессионизма от Русского
Французские художники стремились выразить лишь впечатления от увиденного — а русские к впечатлениям стремились добавить смысловое содержание, отобразить настроение художника
Французский импрессионизм более динамичный, индустриальный (они писали мосты, порты, железные дороги, театры и т. д.) — а русский более спокойный.
Натурализм
Натурализм — это стиль в живописи в котором художник старается максимально правдиво и естественно передать идею на холст.
Натурализм возник во времена, когда общество устало от переизбытка прекращенной действительности реализма, именно в эти времена и появились первые натуралисты, чья задача была в четком, настоящем, «натуральном» представлении действительности.
Натурализм часто путают с «реализмом», реалистичным стилем искусства, который фокусируется на социальных реалиях и наблюдаемых фактах, а не на идеалах и эстетике.
Разница между реализмом и натурализмом, скажем, в живописи, двоякая. Во-первых, реализм, как правило, связан с содержанием, а не с методом. Иными словами, он фокусируется на вопросе о том, «кто» или «что» рисуется, а не на том, «как» это рисуется. Как правило, художники-реалисты изображают обычных людей, живущих своей обычной жизнью, а не великих личностей, совершающих какой-то героический или благородный поступок. Напротив, натурализм — это все о том, «как» нарисован предмет, а не о том, «кто» или «что» это такое.
Во-вторых, реализм обычно ассоциируется с повышением социальной или политической осведомленности. Его изображения часто отстаивают определенный набор социальных или политических направлений, как в случае с такими движениями, как американская сценография (ок.1925-45), ашканская школа (ок.1900-1915), прецизионизм (расцвет 1920-х), Социальный реализм (1930-е) и Социалистический реализм (с 1930-х годов). Конечно, художники-реалисты часто рисуют в натуралистической манере, но натурализм не является их главной заботой и редко является смыслом их работ.
Натурализм в зарубежных странах
В 1870 годах в изобразительном искусстве оформился натурализм. Фото стало как бы некоторым образцом для художников, которые добивались наиболее достоверной картины. При этом они старались максимально абстрагироваться от изображаемого предмета, пытались избежать передачи эмоций, что, разумеется, не всегда получалось. Пейзажисты и портретисты пытались максимально объективно донести до зрителя то или иное явление без прикрас и эстетических условностей. Одним из видных представителей живописи нового направления был французский художник Э. Мане.
«Семья Моне в саду»
Его принято считать родоначальником импрессионизма, который быстро вытеснил рассматриваемое направление в культуре, однако начинал он с того, что с фотографической точностью воспроизводил изображаемый объект. Одна из самых его известных картин, на которой изображена работница бара, поражает своей конкретикой и детальностью.
Бар в «Фоли-Бержер»
Это было именно то, к чему стремился натурализм. Фото стало для его приверженцев настоящим эталоном работы.
Одним из недостатков рассматриваемого направления было отсутствие художественно-идейных обобщений. Сюжеты не подвергались философскому осмыслению, а также критической оценке и обработке, что было характерно для реализма. Однако новое течение имело ряд достоинств: достоверное воспроизведение действительности, точная передача деталей и подробностей.
Помимо указанного художника, в данном стиле работал Э. Дега. Его картины проникнуты простотой и гармонией, которая выгодно отличает полотна автора от работ тех, кто предпочитал изображать грубые сцены из простой жизни. Дега предпочитал работать пастелью, чем заметно выделялся среди своих современников. Черты натурализма особенно ярко проявились в творчестве А. Лотрека.
Его рекламные плакаты и картины отличаются некоторой эксцентричностью и даже вызывающей для своего времени вольностью.
«Анри де Тулуз-Лотрек в кафе»
Натурализм в России
В нашей стране прошли те же стадии развития романтизм, реализм. Натурализм, напротив, не получил в России большого распространения. Некоторые авторы объясняют это особенностями русской культуры и менталитета, указывая на патриархальность и высокую степень духовности. Тем не менее некоторые черты рассматриваемого течения все-таки нашли отражение в ряде произведений литературы и некоторых фильмах. Так, книги писателя Д. Н. Мамина-Сибиряка написаны под явным влиянием этого стиля. Автор изображал жизнь населения Урала, описывая, как пореформенное время привело к изменению общественного сознания, ломке привычных устоев и морали.
«Река Чусовая»
Другой прозаик — П. Д. Боборыкин — был явным подражателем творчества Золя. В одном из своих самых известных произведений он почти с научной точностью воспроизвел детали купеческого быта, жизни дворян, описал их жилье. В советское время натурализм рассматривался как противоположность реализму, поэтому многие критики отрицательно относились к приемам и методам его представителей. По их мнению, авторы делали акцент на темных сторонах человеческого существования, в то время как советская пропаганда культивировала идею о конструктивной деятельности людей при построении коммунизма.
Но, несмотря на негативное отношение к натурализму, рассматриваемое направление нашло отражение в советском кинематографе. Например, картина-эпопея А. Кончаловского «Сибириада» снята под сильным влияние натурализма. Эта лента получила признание на Западе. В этой картине режиссер показал не очень приглядные стороны жизни людей в далекой глухой сибирской деревне на переломе эпохи.
Вывод
Натурализм в искусстве сыграл большую роль в развитии культуры второй половины 19 — начала 20 века. Стремление писателей и художников отойти от некоторых формальных условностей и правил, соединенное с активным поиском новых форм выражения идей и желанием максимально точно воспроизвести явления окружающей действительности, привело к новым оригинальным решениям в художественном слове и средствах изобразительности. Некоторые представители течения все-таки сохранили некоторую философию в своих произведениях, что в сочетании с убедительным описанием жизни простых людей позволило им создать запоминающиеся произведения в литературе, живописи и кинематографе.